I tempi della coltivazione e i rituali ad essa connessi hanno condizionato sin dai tempi più antichi lo sviluppo e le abitudini delle maggiori civiltà. Partendo dall’opera Nutrice, di Maria Lucrezia Schiavarelli si cercherà di capire come nei secoli il rapporto tra l’uomo e la natura sia mutato e quali conseguenze da un punto di vista culturale, filosofico e sociale vi siano state. Ad introdurre il talk – in dialogo con l’artista – sarà Pia Lauro, curatrice e fondatrice di almost CURATORS; ad arricchire ulteriormente il dibattito sulla moderna produzione dei cereali interverrà Rosanna Figna (Ricerca e Sviluppo Agugiaro & Figna).

Durante i giorni della fiera sarà esposta nell’area talk l’opera Nutrice, di Maria Lucrezia Schiavarelli. Il lavoro, di matrice autobiografica, nasce con l’idea di evocare per mezzo di un gesto rituale i legami e le connessioni che, attraverso la cultura e l’alimentazione, uniscono l’uomo alla natura. Ispirata dall’antroposofia steineriana, l’installazione dà forma alla tradizione delle società agricole basata, sin dai tempi antichi, sulla ciclicità dei giorni della settimana, sul movimento dei pianeti e sui tempi della semina per regolare la vita. I sette semi più importanti per l’alimentazione umana, cuciti insieme su tessuti di grandi dimensioni, danno forma a simboli astronomici, astrologici e mitologici.

Progetto nato in collaborazione con Villa Contemporanea come una doppia mostra presso l’Atelierhof Kreuzberg a Berlino e Villa Contemporanea a Monza per presentare il lavoro dell’artista italiana realizzato in Germania.

Seeds of identity
talk nell’ambito di Art Mise en Place

25 gennaio 2015 ore 15
Set Up Art Fair
Autostazione delle Corriere
Piazza XX Settembre, 6 – Bologna

Il corpo è il primo luogo abitato, è il primo spazio di sperimentazione e conoscenza, è la testimonianza della propria presenza, del proprio esistere, ed è anche il primo confine conosciuto e percepito. E’ dunque il primo spazio che porta all’interazione e allo scontro nella ricerca e affermazione dell’identità del se. Nel lavoro di Stefano Ciannella e Keaton Fox la presenza fisica è sublimata da non presenze, che al tempo stesso ne testimoniano il passaggio.
Entrambe i lavori, con prospettive diverse, indagano attraverso la non presenza del corpo universi intimi e interiori, passaggi di un vissuto. La perdita di un riferimento tangibile, del confine, del corpo non intacca però la percezione dell’esistenze. L’essenza del vissuto, di ciò che il corpo ha percepito, affrontato e metabolizzato non è escluso da queste analisi ma esaltato dal continuo rimando ad una identità e riconoscibilità corporea.
Saranno esposti in mostra la serie fotografica di Stefano Ciannella I luoghi del corpo e l’opera video di Keaton Fox Like a Jellyfish in January.

Stefano Ciannella, I luoghi del corpo, Angel top, 2002

Nel lavoro di Stefano Ciannella i luoghi, gli uomini, le relazioni sono tutti attori di un articolato processo di indagine che parte da una ricerca intima e personale per poi fondersi con un’analisi macroscopica dei rapporti e delle relazioni sociali. Secondo Ciannella è attraverso il corpo ed il suo movimento che si può compiere un collegamento tra emozioni, memoria e azione. Nella serie fotografica I luoghi del corpo la presenza umana è sostituita da frammenti di corpi che abitano lo spazio, interagiscono con esso e ne restano legati come frame di un evento trascorso che ha lasciato traccia. I manichini ritratti nelle foto sono stati mutilati delle braccia: il luogo del corpo attraverso il quale avviene l’incontro con l’altro. La negazione delle braccia è dunque impossibilità fisica di relazionarsi e negazione di ogni leggerezza.

Keaton Fox, Like a Jellyfish in January, 2012

Keaton Fox usa il video come strumento primario per esplorare i temi dell’identità e della percezione attraverso la tecnologia, il che le permette di identificare quali potranno essere gli effetti futuri di questo processo sulla coscienza civile. Una non presenza, un non luogo, messaggi sospesi nel tempo di una segreteria telefonica che perdono il loro valore e significato se accostati al lento movimento di una medusa, è ciò che Keaton Fox propone nell’opera video Like a Jellyfish in January. L’animale, che privo di massa celebrale, di muscoli e sangue, vive indisturbato sulla terra da 650 milioni di anni, fluttua mentre i messaggi registrati dalla segreteria telefonica raccontano di un attimo sospeso nella vita di un individuo per una cosciente sottrazione alla relazione.

un-existing body
Stefano Ciannella
Keaton Fox

a cura di Pia Lauro

31 ottobre – 1 novembre 2014 dalle 20.00 alle 4.00

Rialto Sant’Ambrogio, via di Sant’Ambrogio 18, Roma

INGRESSO: 7 euro + tessera ARCI

evento facebook: G H E T T O :: RIALTO, Roma

Le differenti vite che Yasmin Fedda racconta viste insieme sembrano comporre un variegato mondo di emozioni, prospettive e speranze, lontane fra loro nello spazio e nel tempo, ma concretamente vicine nella rappresentazione dell’Altro. L’Altro raccontato da Yasmin non è mai dichiarato come tale né sinonimo di esclusione o emarginazione, ciò che chiaramente emerge dai suoi lavori è piuttosto quanto l’Altro – inteso come un differente punto di vista, di esperienza, di cultura o di condizione  – possa facilmente trasformarsi un Io collettivo, di volta in volta differente, in cui ognuno può riconoscere la propria identità. D’altro canto è proprio il monaco siriano Boutrous, il protagonista del film Milking the Desert (2004) a svelare il punto cruciale del lavoro di Yasmin: nel raccontare le relazioni tra le comunità musulmana e cristiana Boutrous afferma, con concreta genuinità, che infondo “una persona è una persona”.

Il lavoro di Yasmin Fedda, infatti, è incentrato sulle persone, su individui simbolo di primavere culturali.

L’autenticità e la cruda purezza con cui, attraverso la telecamera, Yasmin guarda a tali universi appare evidente nei due lavori presentati a Roma lo scorso marzo in occasione della mostra collettiva “Idi di marzo” presso la British School of Rome: il pluripremiato Breadmakers (video del 2007, girato alla Garvald Bakery di Edimburgo, dove una comunità di lavoratori con disabilità dell’apprendimento, preparano pane biologico che ogni giorno viene consegnato ai negozi e alle caffetterie della città. Il progetto realizzato dalla Garvald Bakery è ispirato alle idee di Rudolph Steiner, secondo le quali il lavoratore deve realizzare il proprio potenziale di auto-scoperta e di creatività in un contesto sociale) e l’inedito Siamo tornati (2013) frutto dell’esperienza romana.

Siamo tornati racconta del crescente fenomeno italiano delle occupazioni sociali – Teatro Valle, Cinema Palazzo, ed altri – quale reazione ai tagli sui servizi pubblici e all’aumento significativo della disoccupazione. Nel quartiere romano di San Giovanni l’insegnate di box Gianni e altri allenatori e attivisti si sono uniti per creare S.C.u.P (Sport e Cultura Popolare), palestra e scuola popolare e centro sociale.

Le chiedo perché ha deciso di mostrare insieme questi due lavori che chiaramente affrontano il tema, a lei caro, della comunità quale luogo di crescita positiva: «perché ho ritenuto che entrambi i film, in modi diversi, mostrino come diverse comunità abbiano trovato soluzioni positive per affrontare i problemi che devono affrontare. Ho trovato entrambi i progetti stimolanti e mi è sembrato che si fondessero tra di loro».

I film sono  tuttavia, stilisticamente piuttosto diversi: Breadmakers è completamente osservativo, senza alcuna voce fuori campo o intervista. Al pubblico basta guardare il forno, il pane e le interazioni sociali mentre tutti lavorano. In Siamo tornati il principale protagonista è Gianni, il quale spiega cos’è e il perché del progetto S.C.u.P, e racconta il significato che questa esperienza ha per lui e per l’intera comunità.

Yasmin seleziona i protagonisti dei propri film in modi diversi adattandosi di volta in volta alle circostanze, ciò avviene anche nella fase di montaggio dove lo stile non sovrasta mai il contenuto, ma si modella su di esso rendendo ogni lavoro unico e completo. E’ nella fase di ripresa che Yasmin tende a riproporre  sempre la stesso schema di approccio, trascorrendo lunghi periodi di tempo con le persone che andrà a riprendere, ciò le è d’aiuto nell’acquisire fiducia e nell’essere in grado di filmare la vita ‘as it happens’.

Yasmin Fedda ha origini palestinesi, dopo aver vissuto in Siria e in diverse zone del Medio Oriente, si è trasferita in Inghilterra e ha trascorso i primi tre mesi del 2013 a Roma presso la British School of Rome, in quanto vincitrice della Creative Scotland document24 Fellowship 2012-13.

Quando le chiedo se si sente una cittadina del mondo mi risponde: «Talvolta è difficile non sentirsi radicati in nessun luogo, ma allo stesso tempo mi piace sentirmi parte di molti luoghi e non di un qualsiasi posto nel mondo».

Yasmin Fedda, Siamo Tornati, 2013 http://vimeo.com/63646958

L’incontro con l’incisione calcografica avviene negli anni di studio e sin da subito le permette di esprimersi attraverso l’elemento fondamentale del proprio lavoro: la produzione seriale, intesa come esigenza creativa piuttosto che come modalità di produzione. Le incisioni sono, infatti, concepite quasi come dei monotipi, di cui Gaia ha sempre stampato pochi esemplari.

In Annunciazione – Icone Familiari, Gaia fonde tradizione e innovazione, arte sacra e quotidianità, associando alla sacralità del tema religioso quello della famiglia, e sostituendo se stessa al divino. Questa attualizzazione del tema, senza alcuna banalizzazione, permette di ritrovare se stessi e di rispecchiarsi nelle iconografie rappresentate, cogliendo gli aspetti più reali e concreti di una sacralità terrena.

Vivere la vita di un altro, qualcuno talvolta può averci pensato. Gaia Scaramella in Essere, apparire e divenire decide di essere qualcun altro, ma da morto. Non per bizzarra provocazione, ma per affrontare il tema della sacralità del defunto, tra ricordo e folklore. Le “partecipazioni al lutto”, ritrovate in un cassetto della nonna, poste l’una accanto all’altra, raccontano come il ricordo del defunto si trasformi molto spesso in santificazione, ognuna di esse racconta soltanto ineccepibili vite terrene. In quest’opera Gaia compie una vera e propria appropriazione di testi, parole e pensieri, dedicati ai defunti in qualche modo a lei legati o imparentati. Come in un rapporto simile a quello tra attore e personaggio, Gaia e i suoi “santi” comuni divengono una cosa sola, permettendole di farsi, di volta in volta, virtuosa e santificata. 

Con le opere realizzate per la mostra Dio ed Io del 2007, Gaia Scaramella si emancipa dalle tematiche legate al contesto familiare e volge lo sguardo ad un piano iconografico più pubblico. La geografia dell’istituzione ecclesiastica viene qui ridisegnata e riletta attraverso un approccio critico e al contempo ironico. Da un punto di vista tecnico Gaia esce dai limiti fisici del foglio stampato, incidendo il proprio segno su porte e ante d’armadio, e dipingendole con vernice a smalto. Le grandi lastre componibili le permettono così di utilizzare le tecniche di incisione e pittura in una chiave più sperimentale, e di realizzare una serie di opere di carattere installativo.

Il processo di emancipazione ed evoluzione dalla tecnica calcografica che Gaia Scaramella ha compiuto negli ultimi anni ha senza dubbio avuto dei risvolti esplicitamente concreti nella creazione della serie Calco Trito Mix del 2008. Appare chiara nell’elaborazione di questi lavori la volontà e la necessità di triturare carta e processo creativo per giungere ad nuovo livello di produzione artistica e coscienza di se. Dopo l’elaborazione mediante il torchio, le stampe subiscono un ulteriore passaggio meccanico passando tra le lame del trita documenti. Le immagini vengono così scomposte e frammentate in modo indecifrabile, in attesa di essere nuovamente ricomposte secondo una nuova visione. Gli unici simboli leggibili sono quelli delle tre grandi religioni monoteistiche sovrapposti alle “fettucce segniche”.

Un panorama di stampe in negativo, realizzate mediante impressione di matrici sagomate, compone l’installazione bidimensionale di Ex-Vuoto (2008). L’ex voto, l’oggetto comunemente utilizzato in diverse religioni per ringraziare la divinità di una grazia ricevuta, assume forme diverse, ma ben precise – come polmoni, fegato, cervello, anche e ovaie – mescolate con le immagini di una variegata umanità, compostata da uomini, donne e amanti. Gli ex-voto, fissati alla parete con dei chiodi che ne vincolano il movimento, ritraggono immagini cariche di significato per Gaia. Questo intenso mixage, di forte emotività e leggera spontaneità, riunisce con chiarezza i due piani su cui il lavoro di Gaia Scaramella agisce: formale/impersonale e personale/interiore.

Con l’opera Capasanta – esposta durante la mostra Sant’Elena, la seduzione nel segno evento collaterale alla Biennale di Venezia del 2009 – Gaia Scaramella decide di donare le matrici delle stampe che componevano l’installazione di Ex-Vuoto, a sant’Elena, come se si trattasse di veri e propri ex voto. L’opera, appositamente progettata per lo spazio in cui è stata allestita, consisteva in una sfera geodedica che, appesa ad una gru, compiva una rotazione lenta su se stessa. All’interno della sfera erano stati posti gli ex voto in zinco che con il passare del tempo si sono staccati per cadere nel corso d’acqua sottostante, andando a restituire l’elemento votivo al mare e alla santa. Il percorso di emancipazione nei confronti della tecnica dell’incisione si conclude dunque con quest’ultima installazione, dove Gaia decide di distaccarsi simbolicamente e fisicamente dalle sue matrici, donandole ad una dimensione altra.

È nella realizzazione delle sue installazioni che il lavoro di gaia Scaramella acquista sempre più intensità e profondità permettendole di affrontare temi e spazi allestitivi complessi e articolati.

Disposte geometricamente, poste ad un metro circa di distanza l’una dall’arta, le 300 girandole che compongono l’installazione 300 ricordano un plotone, un esercito di soldati valorosi in assetto di attacco forse, o di difesa. L’istallazione, concepita per il piano di copertura del torrione del Castello Anfonsino di Brindisi, è composta da trecento girandole monocrome nere, che con il loro volteggiare dialogano costantemente con le incessanti correnti d’aria che battono sul torrione, restituendo al vento il suono del vento. Le girandole perdono così il loro scopo primario, quello ludico legato alla leggerezza del gioco, e divengono simboli del lutto che la guerra impone.

Legami o legami…una richiesta o una denuncia? L’installazione composta da due pareti chiuse ad angolo, a cui sono aggrappate mani in resina epossidica, affronta il tema dello stretto coinvolgimento affettivo che talvolta si traduce in vincolo. Dalle mani fili di lana colorati si liberano e diramano come vene, arterie, capillari e legamenti, descrivendo concettualmente l’estensione interna di un involucro pulsante, quale è il corpo umano. Come un abbraccio o una morsa, i fili vanno da parete a parete chiudendo e reticolando l’angolo, definendo fisicamente un immobilizzante stato d’angoscia.

Memorie dell’altro ieri, memorie di dopodomani  è l’opera che Gaia Scaramella dedica alla tragedia dell’olocausto. L’olocausto… una sospensione, un’interruzione del pensiero, della vita, della dignità umana e sociale. Un tavolo d’epoca rivestito in formica bianco e celeste, con gambe in metallo e struttura in legno, circondato da quattro sedie. Dieci omini, monocromi bianchi, posti sul piano. Sulle teste di ognuno memory cards. Nel cassetto del tavolo un ipad, per visualizzare le foto custodite nelle cards. La memoria del passato si fonde con uno sguardo limpido verso il futuro. Gaia narra il prima ed il dopo della strage, senza mostrarne le pagine oscure, creando un’opera interattiva. Nell’invitare lo spettatore ad applicare l’esercizio della memoria, l’artista ricerca una forma di elaborazione condivisa dell’orrore, fornendo una prospettiva propositiva, che esclude la mera denuncia.

L’articolato percorso di Gaia Scaramella sul rapporto tra vita e morte nei suoi lavori ci conduce a Nepenthes. L’opera è composta da grandi baccelli che contengono i profili di uomini e donne. I bacelli, collegati idealmente tra loro da sottili rami, sono isolati da cornici color nero o bianco a voler simboleggiare un lutto o il candore celestiale. Le presenze umane, collegate come in un albero genealogico, ma separatamente incorniciate in uno spazio chiuso che evoca un’urna o una teca, albergano serenamente nei loro baccelli, come se la pianta morente donasse loro vita. È la morte di uno per la vita dell’altro.

]]> https://www.almostcurators.org/lui-chi-e-gaia-scaramella/feed/ 0 https://www.almostcurators.org/francesca-romana-pinzari/ https://www.almostcurators.org/francesca-romana-pinzari/#comments Thu, 22 Nov 2012 12:10:28 +0000 http://www.almostcurators.org/?p=250 Francesca Romana Pinzari, artista romana, nata a Perth (Australia) nel 1976, ha iniziato la sua carriera nel 2001 come pittrice figurativa.
Negli ultimi anni ha intrapreso una ricerca sul corpo e sui fenomeni identitari della società contemporanea: utilizzando diversi media quali video, performances e installazioni, i suoi lavori si sviluppano come autoritratti che raccontano concetti universalmente noti nei quali ognuno può  immedesimarsi.
Il proprio corpo è vissuto da Francesca come un luogo di sperimentazione, sul quale, con il quale e attraverso il quale indagare il rapporto tra intimità e condivisione. In una continua relazione di antinomia tra differenti elementi messi in connessione tra loro nascono opere come le Chimere (2012), sculture eteree, frutto di un paziente lavoro manuale che unisce la fragilità del crine di cavallo alla resistenza di una struttura metallica. Tra mito e storia, tra utopia e realtà le chimere aleggiano, materializzandosi nei ricordi ancestrali dell’individuo e nel risultato ibrido delle proprie incertezze. La chimera è, infatti, un mostro mitologico, ma allo stesso tempo è un desiderio irrealizzabile, un’illusione, un’assurdità.
Ma è in opere come Hair Majesty (2011) o nella serie realizzata su plexiglass che la Pinzari rivela l’intimità e la consistenza di un elemento organico come i capelli. In Hair Majesty quello che a prima vista sembra un disegno a china è in realtà un’opera realizzata interamente con i capelli delle persone ritratte, il che crea un legame diretto con il soggetto rappresentato che esula la somiglianza visiva, ma diviene piuttosto un prolungamento del corpo stesso. I capelli si intrecciano e si dispongono come una leggera trama cui si agganciano i pensieri spirituali di chi è ritratto, come un filtro di separazione del materiale e dell’istintivo da quello che è spirito e anima, i capelli creano figure intime ed interiori, che al contempo svelano un puro erotismo.
Mentre per raccontare di sé Francesca sceglie plexiglass e capelli: i fili scuri delineano un contorno chiaro ed emblematico, è un feto, raccolto e capovolto come fosse nell’utero di una giovane donna pronta al parto, e allo stesso tempo fisso e immobile bloccato nel plexiglass, quasi a scopo conservativo. In queste opere l’artista lascia una propria traccia, una prova: il proprio DNA.
Dopo un’acuta indagine sul corpo umano, Francesca Romana Pinzari ha concentrato il suo lavoro sul concetto di identità, invitando a riflettere sulla difficoltà di definire chi siamo in rapporto ad una società che tende a ripartire gli individui per gruppi di appartenenza – politica, culturale, religiosa, fisica.. – inglobando il singolo nel collettività.
Da qui nascono opere come il Bestiario (2011), su lastre di alluminio prendono forma delle creature mostruose, esseri composti da parti di animali esistenti e bestie fantastiche che emergono come le angosce e le inquietudini dell’essere contemporaneo dalla profondità imperscrutabile di uno sfondo scuro e corposo. O Cavalli (2012), circa 150 piccoli lavori pittorici a prima vista simili tra loro per intensità di colore e sbavature, ma in realtà tutti diversi l’uno dall’altro. Le figure, uniche e irripetibili, sono dettate dalla mano dell’artista e dalla casualità delle tecniche utilizzate. Ogni immagine è unica e seriale allo stesso tempo come gli individui che abitano la società contemporanea, persone uniche, per storia o cultura, che tendono però ad abbracciarsi per un puro senso di aggregazione.
Ma l’appartenenza ad un gruppo, ad un movimento o ad una fede può condizionare e stravolgere realmente l’identità del singolo individuo? Secondo Francesca Romana Pinzari no. L’artista racconta il suo punto di vista attraverso le immagini di I am not (2011) video della performance presentata durante una session di performances all’interno della rassegna organizzata alla Yes Foundation (Olanda) lo scorso anno. Ogni individuo secondo Francesca cerca di soddisfare il proprio senso di appartenenza abbracciando filosofie, religioni e partiti politici, ma in realtà il singolo non può annullarsi nel gruppo ed è proprio da questa consapevolezza che emerge la sua frustrazione nei confronti del sistema contemporaneo.

Laureato in Scienze Politiche all’Università di Napoli Federico II, ha intrapreso la sua prima attività come fotografo lavorando in teatro: investigare con la macchina fotografica i contenuti artistici è sempre stato il suo obiettivo. Punti cardine del suo percorso sono state l’esperienza romana e newyorkese. Nella grande mela ha frequentato, nel 2010, il corso postgraduate di specializzazione multidisciplinare in fotografia all’ICP- International Center of Photography, dove ha anche lavorato come assistente insegnante. Negli ultimi due anni si è dedicato al progetto Ubiquity.

Ubiquity è uno studio sulla relazione spaziale, attraverso il quale  indagare gli studi sulla fisica quantistica e sulla teoria della relatività di Einstein, secondo cui lo spazio non è tridimensionale e il tempo non è un’entità separata, ma insieme formano una nuova dimensione, lo spazio-tempo.

Alessandro ha individuato nelle mappe che tracciano le linee delle rotte aeree di tutto il mondo, segno tangibile dello spostamento temporale umano, la possibile figurazione della quadridimensionalitá. La rapida diffusione di una percezione spazio-temporale globale, infatti, crea una nuova dimensione soggettiva, dove luoghi, servizi e linguaggio non appaio più come punti di riferimento oggettivi.

Nella prima parte del progetto Ubiquity (inverno 2011) è stato coinvolto un campione di individui appartenenti alla sfera personale dell’artista (amici, curatori, galleristi) con l’intento di raccogliere dati relativi ai loro luoghi d’interesse, grazie al sistema di geolocalizzazione dei telefoni cellulare, che attraverso gli spots segnalano i luoghi in cui sono state scattate delle fotografie, così da ridisegnare nuove mappe soggettive, basate su fattori individuali. La fotografia, intesa come azione volontaria d’interazione con quanto ci circonda, diventa quindi il parametro di riferimento per disegnare su una cartina la traccia del proprio passaggio in un determinato ambito spaziotemporale.

Nella seconda fase del progetto Ubiquity (6 febbraio – 18 marzo 2012) Alessandro si è trovato a riflettere sul challenge di Damien Hirst e della galleria Gagosian, e su quanto quest’esperienza fosse in linea con il progetto che stava curando. Paesi diversi, lingue diverse, esperienze diverse, ma stesse domande: la gente come si muove? In base a cosa sceglie di spostarsi ? E cosa succede se glielo si chiede?

E’ così partita l’azione performativa con cui l’artista, visitando la mostra The Complete Spot Paintings 1986-2011 in tutte le gallerie Gagosian, ha prodotto una serie di spots generando così la propria mappa personale, condizionato nel Tempo dalla durata effettiva delle mostre. Compiendo una circumnavigazione del globo terrestre da ovest verso est ha fruttato la time machine, il giorno in più che viene a crearsi attraversando il meridiano 180, facendo del suo intervento sullo spazio fisico terrestre un’azione spaziotemporale a tutti gli effetti.

http://www.youtube.com/watch?v=uB1LmfwZjjs